Spain Arte

Artistas

2009-02-20T08:39:00.000-08:00

A los artistas se les suele tratar con algo de desprecio en la vida real (por ejemplo al ir a arrendar un departamento) y de manera sagrada y sublime en el mundo de las ideas (…los países no viven sólo de lo económico, sino sobre todo de la cultura y el arte….!). Personalmente le tengo simpatía a la variante griega o latina de los artistas. El arte para los clásicos fue siempre una techné (técnica), o un ars, como por ejemplo el arte de la navegación. El técnico era un artifex, un perito, algo a medias entre un ingeniero y un artista romántico, o sea un individuo modesto aunque respetable. Creo que el hecho de que existan personas peritas en el arte de combinar notas de manera rítmica o melodiosa no le quita nada a nadie. Lo mismo si hay otros que saben articular bien las frases y conocen las leyes de la gramática o la retórica. O se pasan la vida ensayando gestos y voces para los escenarios, o les sale bien un retrato o un desnudo fotográfico…. Es lo que llamamos artistas. Si se quieren juntar y hacerse amigos y defender lo suyo, no le veo el pecado. El diccionario de la RAE es amplio de criterio en estas cosas. Un artista no tiene por qué ser genial, tampoco un político o un economista o un general o un abogado…. pero pueden serlo ocasionalmente. No creo que el arte sea una actividad para obtener premios o certificaciones de genio, es simplemente un oficio por lo general especializado, que produce obras. Puede que alguien sin oficio pueda bailar maravillosamente, o componer, o hacer un verso o una película, y en ese caso será un autor sin entrenamiento previo, un espontáneo como Rimbaud, y sus obras son tan obras -faltaría más- como el de los que se han dedicado mucho a dominar el tema. Yo creo que es bonito que en una sociedad existan artistas, personas con vocación, con alguna facilidad especial, con años de circo, con dominio de sus respectivas técnicas, con respeto por la vasta historia del arte y ganas de seguir creando.

Marta del Castillo Casanova

2009-02-20T08:37:00.000-08:00

DESAPARECIDA

Marta del Castillo Casanova, 17 años, 1,65 de estatura, ojos verdes, pelo largo de color rubio.
Salió de su casa el pasado día 24, vistiendo cazadora negra de pana y pantalón vaquero.

Una joven de 17 años desaparece en Sevilla en extrañas circunstancias

En Sevilla, la familia de Marta no se explica la situación y teme ya lo peor. La joven, de 16 años, desapareció el pasado sábado en extrañas circunstancias. Marta salió de su casa a las cinco de la tarde y viajó con un amigo hasta Triana; al regresar, la acercaron en coche hasta escasos 50 metros de su casa, pero desde ese momento se desconoce su paradero.

La Policía Nacional investiga la desaparición de una menor de 17 años, Marta del Castillo Casanueva, de la que no se tiene noticias desde que el sábado salió de su casa (en la calle Argantonio, en Sevilla capital) para pasar la tarde con sus amigos.

La menor, según su familia, salió de casa sobre las 17.00 h y pasó la tarde con unos amigos. Uno de ellos afirma que la dejó en la puerta de su domicilio sobre las 21.30 h. La joven no regresó a casa.

Marta mide 1,65 m, tiene los ojos verdes y es rubia. Cuando salió de su casa vestía cazadora negra de pana y pantalón vaquero, según los datos que ya han sido difundidos mediante correo electrónicos.

El móvil de la menor "está apagado o fuera de cobertura"
Su familia la describe como "una niña responsable, que no se recoge tarde y sin problemas". Además, mantienen "no hemos notado ningún comportamiento extraño y no ha habido peleas con sus padres".

Búsqueda
La familia comenzó a "rastrear" la zona el sábado por la noche para localizar a Marta y acudió a la Policía a las 02.00 horas para denunciar su desaparición.

Por el momento, ningún familiar o amigo conoce el paradero de la joven, cuyo móvil "está apagado o fuera de cobertura", tal y como publica ABC. Para la familia, "cualquier ayuda" que les lleve a Marta "será bienvenida".
El Grupo de Menores de la Policía Nacional está realizando todas las gestiones pertinentes para localizar a Marta lo antes posible.

Ya pasean por la red carpet los primeros invitados a los Oscars 2009

2009-02-20T08:31:00.000-08:00

Hoy es viernes y además de desearos un estupendo fin de semana, os dejo que vayáis viendo cómo pensamos recorrer la Red Carpet de los Oscars 2009 los primeros participantes del concurso:

Esta es la lista de los modelos que ya han sido elegidos junto con quien creará sus complementos, e incluso el plan de ataque de aquellas que todavía creemos que hay que contarlo todo… ¡Lo importante es no copiarse y ponerse guapa!

Chicochuc, de Chicochuc y de Chicisimo, como ya comentó se dedicará a promocionar la moda española ante quien quiera mirarla. Llevará un vestido estampado de Alma Aguilar para pasear y hacer shopping por Beverly Hills y alrededores, aunque no pasará por Rodeo Drive, porque últimamente no encuentra nada. La alfombra roja la recorrerá con un modelazo de Sita Murt pero ella sí se va a peinar. Tras la ceremonia, pasará la noche de fiesta en fiesta vestida de Miriam Ocáriz y acabará con unos amigos tomando chocolate con churros en casa de George Clooney.

Los complementos se los diseñará Macarena Gea. Probablemente llevará un broche-hadita divino.

Superwoman de Diario de una mujer, madre y esposa atribulada, dice tener una corazonada. Alguien llevará este modelazo de la colección pre-fall 2009 de Dior. ¡Pero en largo!

Y para los complementos piensa contar con Cherubina. Confía en que se les ocurrirá algo genial.

Marta López García lo tiene claro. Se bajará del avión e irá al hotel en limusina con este traje amarillo de Givenchy alta costura, que sabe que le sentará divinamente. Y en la ceremonia brillará con su espectacular Lacroix de alta costura que acompañará de un anillo estilo vintage de happy joyitas.

Sere Torres elige este precioso vestido de Christian Lacroix Alta Costura. Los complementos los llevará del creador estadounidense de origen cubano Luis Felipe Pérez. Sus brazaletes y sus aros le encantan para una ocasión como la noche de los Oscar:

Raquel Z., tiene claro que ella va a ir vestida ‘made in Spain”. Y el glamour se le va a escapar por todas las esquinas con un Alba Conde, un Juana Martín y un Rosa Clara (este es el orden de las fotos). Eso sí, la alfombra la recorrerá con el Rosa Clara que le parece el más romántico. Lo que hará con los otros dos no lo cuenta, pero yo creo que es porque le han encargado presentar algún premio… ¡fíate!

De los complementos se van a ocupar: Bygemmasu y Las Minervas.

Textile Voltaire no va a dejar nada a mi imaginación. ¡Que preparación! Para ir a dar un paseo o de compras, un vestido y sandalias rojas de Chlóe, con cartera de Bottega Veneta. Para la ceremonia, apuesta segura con este precioso Chanel (suprimiendo las mangas/guantes) y unas sandalias de Alexander McQueen. Su acompañante irá por completo con un look de Alexander McQueen (omitiendo de nuevo los guantes). A la fiesta de después, más Chanel y sandalias de Stella McCartney.

Los complementos se los va a hacer Tatavaga.

Lorentzo de El blog más Chic, no se iba a quedar sin hacer su apuesta. Él tiene la premonición de que este año vemos en la alfombra roja este Nina Ricci de la colección primavera/verano 2009.

Patricia de Pat’s wardrobe piensa ir estupenda con este Valentino HC 2009. Su objetivo es triunfar y llevarse el Oscar que considera que Pe no se merece del todo, por sólo aparecer durante 20 minutos en la película y por una interpretación normal. Por tanto espera con su traje divino de la muerte, dejar encandilados a los fotógrafos y que Pe pase a un segundo plano (¡Patri! yo no te quiero cortar el rollo y vas a ir muy mona… pero Pe ya se ha hecho su hueco, y si a ella también le sacan un par de fotos o tres no te ofendas ;D).

Monicata elije el primer Elie Saab del concurso (con el éxito que suelen tener entre las celebrities). Irá divina y sin complementos, porque considera que un vestido así no los necesita.

Mamen Díaz-Alersi de El Blog de moda, se ha montado su propia porra y ha elegido al menos un modelo por diseñador de alta costura (de todo corazón, espero que aciertes con alguno ;D). La alfombra roja, la recorrerá con un espectacular Armani Privé, que por si alguien lo duda, le sienta estupendísimamente puesto que ella tiene mejor tono de piel que la modelo.

Los complementos se los ha pedido a Porque me lo merezco.

http://www.minutodigital.com/actualidad2/2009/02/10/la-cantante-espanola-amaia-montero-interrumpe-su-gira-por-eeuu-debido-a-motivos-familiares/

2009-02-20T08:30:00.000-08:00

La cantante española Amaia Montero tuvo que interrumpir su gira promocional por Estados Unidos para regresar a su país por una emergencia familiar, informó el lunes Sony BMG.

La ex vocalista de La Oreja de Van Gogh se encontraba promocionando su primera producción en solitario, “Amaia Montero”, que sale a la venta el martes. Recibió una llamada en la que se le informó que su padre, quien padece un cáncer, no se encontraba bien. “Su padre tiene leucemia y ha estado en el hospital bajo tratamiento por varios meses”, dijo el sello discográfico en un correo electrónico.

“Este álbum está dedicado a él y la canción ‘407′ la escribió para él”, añade la misiva. “407 es el número de cuarto donde ha estado interno”.

Una alumna de Bellas Artes, ganadora del concurso "Los Derechos Humanos y el Arte"

2008-11-18T02:30:00.000-08:00

El jurado del III Concurso de Expresión Artística: Los Derechos Humanos y el Arte, que convoca la Escuela Universitaria de Trabajo Social de Cuenca, ha resuelto por unanimidad conceder el premio a la obra titulada "Derechos Humanos", presentada por la alumna de la Facultad de Bellas Artes Sandra Muñoz Benito.

La premiada
Sandra Muñoz Benito, alumna de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, ha sido la ganadora del III concurso de Expresión Artística: Los Derechos Humanos y el Arte, que convoca la Escuela Universitaria de Trabajo Social del campus conquense.

La obra
La obra vencedora lleva por título "Derechos Humanos", por la que la autora ha recibido, como premio, la cantidad de 600 euros. La entrega del mismo ha tenido lugar esta mañana, durante el acto de inauguración de la Semana de Derechos Humanos y Trabajo Social, y ha corrido a cargo de la Defensora del Universitario del Universidad Castilla-La Mancha, Cándida Gutiérrez.

A esta tercera edición, abierta a alumnos, personal de administración y servicios, y profesores del Campus de Cuenca, han concurrido un total de catorce obras, en las que sus autores han utilizado técnicas de expresión variadas: pintura, imágenes fotográficas, ilustraciones, fotomontajes.

El jurado
El jurado ha estado integrado por Antonio Pérez, Miguel Ángel Moset, Celina Quintas, Pilar Obesso , y José Antonio Sánchez, todas ellas personas relacionadas con el mundo del arte.

Albert Anker (Suiza, 1831-1910)

2008-11-18T02:27:00.000-08:00

El pintor Albert Anker nació en Anet (Ins en alemán), una comuna suiza en el canton de Berna, situada en el distrito de Erlach. Era el doceavo hijo de un veterinario. Sus primeros estudios de dibujo los realizó en 1845 en casa de Louis Walhinger, pero en ese momento apenas se distinguió de los demás alumnos.

En 1851 empieza sus estudios de teología en la Universidad de Berna y de Halle (Alemania). A finales de 1853 pide permiso a su padre para interrumpir el curso y ponerse a pintar, quien le autoriza, en inmediatamente marcha a París, ciudad que le había entusiasmado a raíz de un viaje que hizo en 1851. Fue alumno del pintor suizo Charles Gleyre, que como muchos otros artistas helvéticos de habla francesa se había instalado en la capital francesa. Entre 1853 y 1860 frecuenta la Escuela Imperial de Bellas Artes, donde había estudiado Pierre Auguste Renoir. Anker iba a pertenecer a esa gran cantidad de artistas suizos que estaban trabajando en Europa, forjando una carrera lejos de su país.

En 1861, como todos los pintores de su época, se siente atraido por Italia. En 1864 se casa con Anna Ruefli, de Langnau, con la que tuvo seis hijos. La pareja pasa el invierno en París y el verano en Anet. Fue por esa época cuando empezó a labrarse una fama de pintor de retratos de niños. Pintó a sus hijos Louise, Marie, Maurice, Cécile, Rudi en varios de sus cuadros, siendo los más conocidos Mi hija Louise -1-, Maurice con la gallina -2- , Louise y su muñeca -3- y Rudi comiendo -4-.

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En 1869, Albert Anker empieza a hacer proyectos para el ceramista Théodore Deck, para quien realizaría en el curso de los años más de 300 dibujos para lozas. Hacia 1870 diversificó su vida social, siendo diputado del Gran Consejo del canton de Berna. Trabajó para las revistas Le Magasin Pittoresque y La Revue Suisse des Beaux-Arts. En 1878, organizó la sección suiza de la Exposición Universal de París, tras la cual fue nombrado Caballero de la Legión de Honor.

En 1890 renuncia a su domicilio parisiono para vivir únicamente en Anet: deseaba vivir en un ambiente tranquilo, pues la vida en la ciudad ya no le aportaba lo que buscaba, que no era otra casa que la paz absoluta de su ciudad natal. En 1900, la Universidad de Berna le concedió el título de Doctor Honoris Causa.

La mayoría de cuadros de Anker, aunque suizos en esencia, no estarían fuera de lugar con los de los artistas de la escuela de Barbizon en Francia o el arte victoriano de Inglaterra. Naturaleza muerta con vino y castañas - 5- parte de una interpretación casi analítica de superficies y objetos, para transmitir el poder expresivo de cosas cotidianas. El lúgubre fondo hace destacar a la perfección la jarra de vino luminosa y la copa. En primer plano, un plato de castañas descansa sobre el mantel de hilo. Desprovisto de artificios, el artista explora la cualidad de la luz y el volumen, y traiciona las influencias holandesas y de Caravaggio. En el arte suizo se apreciaba la precisión de la plasmación, sobre todo en las naturalezas muertas, además de un escaso formalismo, y un sentido de la artesanía y el ingenio visual. Como género, las naturalezas muertas pueden considerarse un punto de partida para un análisis amplio de la relación entre la alegoría y el naturalismo. Las naturalezas muertas de Anker presagian a los expresionistas del siglo XX.

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Este tema, además del de los niños, era el más trabajado por el artista. Entre otros títulos de esta temática podemos encontrar Café y Brandy -6-, Café con leche - 7-, El café -8-, El té -9-, La langosta -10- y Té y jerez -11-.

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Es tal vez el artista que mejor supo pintar el principio y el fin de la existencia humana. Anker no se detuvo en la edad adulta, sino que supo retratar con precisión la inocencia en la mirada del niño y la serenidad, la aceptación del anciano y el paso del tiempo.

Fueron muy conocidos también sus cuadros de escenas en escuelas rurales, como Escuela rural de la Selva Negra -12-, Escuela rural -13- y El examen -14-,en los que se muestran a los niños de una clase y a sus profesores en actitudes de la vida cotidiana en la escuela. Son cuadros de gran realismo.

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Asimismo son muy famosos sus cuadros El bautizo -15- y La salida de la iglesia -16-: en el primero muestra la salida de un bautizo en un ambiente rural (la hermana mayor con el pequeño en brazos y detrás a los padres orgullosos del evento); y en el segundo muestra a una dama saliendo de una iglesia enjoyada y con ricos ropajes, mientras da limosna a los mendigos que la esperan.

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Albert Anker fue mejor dibujante que colorista, y sus pinturas permanecen intactas en su ingenuidad y su sentimiento.

El pintor en su taller

El pintor y su modelo

Casa y taller del pintor en Anet o In

Cuadros con los pelirrojos

2008-11-18T01:57:00.000-08:00

Pintor Albert Lynch, nacido en Lima, Perú, 1851-1936.

La pelirroja
Autor:Toulouse Lautrec
Fecha:1886-87
Museo:Colección Particular
Características:55 x 50 cm.
Material:Oleo sobre lienzo
Estilo:

Carmen Gaudin fue una de las modelos más utilizadas por Toulouse-Lautrec. En Planchadora también aparece esta joven lavandera de París que ejercía de manera esporádica la prostitución y que posaba para el joven artista; mujer hermética, nunca dio a Lautrec una visión fácil sino que el artista la retrataría de perfil o de frente pero siempre con el rostro confuso. Nunca posará como una mujer insinuante, antes al contrario, muestra su aspecto más desafiante. Este tipo de retrato relaciona al joven Henri con la pintura realista aunque el empleo del perfil le ponga en contacto con artistas del Renacimiento italiano como Ghirlandaio. El dibujo es excelente, con un trazo seguro y firme. Curiosamente, Toulouse-Lautrec encargó a Gauzi que realizara unas fotografías que bien pudieron servir de base para estos retratos. El colorido es austero, destaca el contraste entre el cabello rojo, el rostro blanquecino y el vestido negro. El fondo es un paisaje poco definido, posiblemente para no desviar la atención del magnífico rostro

Pelirroja con blusa blanca
Autor:Toulouse Lautrec
Fecha:1889
Museo:Museo Thyssen Bornemisza
Características:59´5 x 48´2 cm.
Material:Oleo sobre lienzo
Estilo:Neo-Impresionismo

La modelo que posó para esta escena fue Carmen Gaudin, una de las mujeres más representadas por Toulouse-Lautrec en sus primeras obras parisinas. Su cabello rojo y su piel blanca fascinaron al artista, aunque Carmen casi nunca permitiera mostrar su rostro por lo que aparece aquí con la cabeza gacha. Se trata de un trabajo al aire libre, interesado Lautrec en captar los efectos de luz y color sobre la figura de la modelo, enlazando con el Impresionismo al utilizar sombras coloreadas y adelantándose al fauvismo al emplear tonalidades estridentes. La figura se recorta sobre un fondo neutro para resaltar la blancura de la camisa, destacando un ligero defecto en la anchura del cuello que el pintor pretende disimular con las tonalidades verdes de esa zona. Lautrec utiliza una pincelada suelta, otorgando a la imagen un sensacional efecto volumétrico, especialmente en el cabello y la camisa.

Dama con sombrero y boa
Autor:Gustav Klimt
Fecha:1909
Museo:Österreichische Galerie Wien
Características:69 x 55 cm.
Material:Oleo sobre lienzo
Estilo:

Cuando Klimt visitó la Exposición de Arte de 1909 -continuación de la celebrada el año anterior para homenajear el 60 aniversario de la coronación de Francisco José I- se sintió gratamente impresionado con las obras de Matisse, Bonnard o Munch. Ese mismo año viajó a París donde conoció de cerca la pintura de Toulouse-Lautrec y el fauvismo. Estas influencias le llevarán a abandonar su etapa dorada para trabajar en un nuevo estilo que algunos especialistas identifican como caleidoscópico, con obras como La bailarina o La virgen.Esta Dama con sombrero y boa es una de las primeras obras que indican este significativo cambio, apreciándose claramente la influencia de la pintura francesa neo-impresionista. Una joven y atractiva dama se ubica en el centro de la composición, cubriendo su pelirroja cabeza con un amplio sombrero violeta mientras que una negra boa cubre parte de su rostro. Su intensa mirada se desvía hacia la izquierda, reforzando su imagen de mujer fatal, habitual en los trabajos del maestro vienés. Al fondo podemos observar algunas siluetas de la ciudad.Algunos especialistas la consideran incluso una moderna Judith. En un artículo publicado en 1909 en el "Illustriertes Wiener Extrablatt" se dice que "la nueva mujer vienesa -cuyas abuelas son Judith y Salomé- ha sido descubierta o inventada por Klimt. Ella es deliciosamente viciosa, encantadoramente pecadora, fascinantemente perversa". El contacto de Klimt con el salón de modas de las hermanas Flöge permitirá al artista conocer la moda de primera mano y ocultar de manera elegante a sus "femmes fatales".

Klimt

Tendré que preguntarle
a la pelirroja de Klimt,
si la lluvia sabe mejor
en un óleo sobre tela.

Cómo se siente el pincel
en sus blancos senos.
Si acaso las flores
dañaban su frágil pelo.

Olvidará su paraguas
cuando le cuente que
conozco sus besos.

Y sonreirá al ver
las nubes, la lluvia
pincelando al invierno

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Existe una interesante y tétrica historia que tiene como escenario el cementerio londinense de Highgate. La protagoniza el poeta y pintor Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) y su esposa fallecida, Elizabeth Eleanor Siddal (1829-1862).

Elizabeth fue una bella modelo pelirroja, frecuentemente retratada por los artistas de la Hermandad Prerrafaelita. Posó también para Rossetti, uno de los fundadores de este grupo, con quien terminó contrayendo matrimonio tras un tortuoso noviazgo. Se convirtió no sólo en su mujer sino también en su musa. La relación tuvo muchos altibajos, promovidos, entre otras causas, por las infidelidades de Rossetti con otras modelos. A pesar de todo, Rossetti la consideraba su musa, tanto en la poesía como en la pintura. Se obsesionó con su imagen y la representó en la mayoría de sus cuadros, especialmente como Beatriz, la amada de Dante Alighieri (en el cuadro de la fotografía de la izquierda -Beatriz Beata-, el pintor representó a su esposa).
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Un año después de la boda, Elizabeth dio a luz a una niña muerta. Esta tragedia la llevó a un estado de profunda depresión que provocó tiempo después su suicidio con láudano.

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Elizabeth fue la modelo de Millais en su célebre cuadro de Ofelia

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El sueño de Dante en tiempos de la muerte de Beatriz (Rossetti)

Rossetti, terriblemente deprimido y lleno de remordimientos por sus infidelidades, la enterró en Highgate colocando en la almohada de su ataúd el manuscrito original de sus poemas The House of Life dedicados a Elizabeth. Siete años más tarde, sin la inspiración de su musa, la carrera de Rossetti comenzó a hundirse. Su sentimiento de culpa le llevó a abusar del opio, típica droga de la época, el alcohol y el cloral, que le producía visiones.

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Retrato de Rossetti hecho por William Holman Hunt (1853)

Para superar la crisis, su agente le aconsejó que recuperase los manuscritos enterrados junto a Elizabeth. Consiguió el permiso para exhumarla, siempre que lo hiciera de noche para no impresionar a los visitantes. Iluminándose con antorchas, se excavó en la tumba y se abrió el féretro. Los poemas fueron recuperados y terminaron publicándose en 1881 con el título Ballads and Sonnets.

Obra de Jean-Marc Nattier

2008-11-18T01:50:00.000-08:00

Pintor Jean Marc Nattier, nacido en París, Francia, 1685-1766.

Ganadores del concurso Pentawards Packaging Design 2008

2008-11-11T14:43:00.000-08:00

Pentaward 2008

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One Response to

“Ganadores del concurso Pentawards Packaging Design 2008”

Ya tenemos ganador del concurso Web 2.0 en Nueva York!

2008-11-11T14:37:00.000-08:00

La entrada exclusiva VIP a la conferencia Web 2.0 en NY se va a un hermoso país, donde las mujeres y el café son una delicia… ¡Colombia! Felicidades a TGNColombia, el ganador del concurso.

Después del salto, el video que muestra el sorteo ante notario público efectuado en los cuarteles generales de FayerWayer donde nuestra preciosa modelo Magaly saca el número ganador de la tómbola vestida en su atrevida minifalda.

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2008-11-05T05:35:00.000-08:00

La propaganda comercial y política

2008-11-05T05:29:00.000-08:00

La propaganda comercial y política de finales del siglo XIX nació como consecuencia de las innovaciones técnicas en el arte de la impresión y de las nuevas necesidades de la sociedad industrial, que evolucionando hacia la sociedad de consumo obligaba a informar a sus consumidores de las excelencias de su producto frente a los de la competencia. En suma, de la necesidad de hacer propaganda. Paralelamente, la propaganda política se adaptó a las nuevas técnicas anunciadoras, incluso con mayor fortuna que la publicidad comercial (en Europa), sin duda, por cuestiones intrínsecas en el propio arte del cartelismo, pues anunciar un producto comercial es siempre espiritualmente mucho menos inspirador para el artista que las cuestiones sociales, amén de que abstraer un mensaje emocional e ideológico en un contexto político es siempre más asequible para el cartelista, por contra del contaminado, como elemento inspirador, producto comercial tan lleno de connotaciones mercenarias para el artista europeo del momento. Un arte y un saber anejos a este fenómeno fueron necesarios para este auge del cartelismo que duró hasta la mitad del siglo XX. En este arte destacaron pintores, cartelistas netamente puros, grafistas, fotógrafos, dibujantes, innovadores..., y en el saber profesional, destacaron principalmente los esforzados oficios de la impresión, sobre todo litógrafos, oficio preciado en su época dónde los hubiera.

La inicial técnica de la litografía era lenta, laboriosa y exigía precisión extrema en la composición. Primero, sobre una plancha de zinc (tantas como tintas) se dibujaba con un lápiz de grafito, que por ser graso, servía para esta original técnica de impresión basada en el rechazo del agua de las tintas grasas, una vez humedecida la plancha se aplicaba la tinta con un rodillo, que quedaba adherida exclusivamente a las partes grasas de la plancha, después, papel y planchas (una a una con el mismo papel) se metían en la prensa, hasta su composición final. Es fácil imaginar la dificultad de confeccionar carteles con muchas tintas. Por contra, los carteles litográficos tomaban un especial dimensión de relieve que nunca tuvieron los posteriores con la técnica de impresión más modernas.

Resumiendo, el cartelista pintaba, dibujaba o componía su cartel en el estudio, una vez acabado lo llevaba al taller, y un dibujante litógrafo lo copiaba a las planchas, comenzando entonces la verdadera impresión.

A esta dificultad técnica, había que añadir, el atrasó de los talleres españoles, que no podían imprimir con rodillos de zinc de gran tamaño, obligando a los litógrafos a partir los grandes carteles en varios trozos que se unían finalmente. El cartelismo en España, se inició, como no, por los festejos taurinos y patronales, destacando talleres residentes en Barcelona y Valencia. Con el correr de los tiempos, todas las ciudades importantes contaron con talleres de impresión de carteles, y el cartelismo de toros y fiestas patronales alcanzó un nivel de gran producción, siendo hoy, prácticamente imposible separar una corrida, de su cartel anunciador.

Con la llegada de la Primera Guerra Mundial y la posterior Revolución Rusa, el cartelismo entra de lleno en la propaganda política, destacando el cartelismo aliado y el revolucionario ruso. Además, el cartelismo comercial se desarrolla enormemente en este periodo entreguerras. Podemos decir, que en las tres primeras décadas del siglo XX, el cartelismo representa mayoritariamente el soporte para la propaganda política y comercial. La revolución rusa, la ascensión del nazismo, las nuevas tendencias artísticas, el desarrollo y la producción de bienes de consumo, y finalmente la Guerra Civil Española, marcan la cumbre del cartelismo como forma anunciadora de ideas, actos y mercaderías, emparejándose con la ascensión de la radio y el cine como medios de propaganda comercial y política. Serán estos dos primeros, los fundamentales en la propaganda política de la guerra, alcanzando el primero su máxima expresión, precisamente en España.

Arte y política. ¿Dónde cruzar el umbral?

2008-10-31T06:05:00.000-07:00

Toda acción humana es política,
nace preñada de alguna ideología.
Ninguna obra de arte puede escapar
la coyuntura del tiempo que la vio nacer.
Pero si la obra se expresa con el idioma
de su hora, ¿cómo puede perforar la coyuntura?
Grandes obras, que más allá de lo particular,
hablaron ayer, hablan y se disfrutan hoy.

Hay grandes obras que lograron perforar la coyuntura
de la circunstancia en la que fueron creadas,
la particularidad de un tiempo o un lugar. Toda acción
humana es política y por lo tanto también el arte, que
es humano y es acción. De forma más o menos evidente,
toda obra está preñada de la psicología del artista, del sello
de su hora, de las circunstancias subjetivas u objetivas en
las que se creó. Ninguna obra de arte es "inocente" o está
al margen de la sociedad en cuyo seno vio la luz. Lleva consigo
un discurso, más o menos claro o legible, que nos habla del
artista, su tiempo,geografía y las instancias que le tocó
vivir. Con más o menos genialidad el artista al pintar su
alma "pinta su aldea".

Hechos puntuales, obras universales
Encargadas que recoger hechos punturales, hay
obras de ayer que nos hablan hoy. Son textos con vigencia.

Los fusileros que plasmó un Francisco Goya,
en "Los Fusilamientos de la Moncloa" muestran,
pecho expuesto a las balas y los brazos en cruz como
citando a un Cristo, una víctima en el instante previo
a encontrar la muerte. Bandos enfrentados,
víctimas/victimarios, hombre a hombre. Atrás la iglesia
calla, muda, mientras un cura no quiere ver.Cuerpos
muertos, sangrantes, fusilados, en primer plano como
cosas. Muertos por una "patria", una cualquiera.
¿Nos importa saber a qué jefe responden los fusiles,
por qué bandera murió el que murió?

El grito de Guernica se profirió para mostrar al mundo
esa masacre. ¿Es necesario saber qué sucedió aquel día
- en los treinta, en la población vizcaíana de Guernica
- para leer el legado picassiano? ¿No es hoy Guernica
en cada bomba, en cada Kabul, cada Bagdad?

¿Cuándo, cómo el artista conocido o ignorado, consigue
perforar la coyuntura? ¿Cuándo resiste la obra múltiples
lecturas hechas por un tiempo y otro tiempo posterior?

Contar o no contar
Despuntaba el siglo XX. Pablo Picasso, rompiendo
con una tradición milenaria en el arte de Occidente,
hace una obra "muda". Sus "Señoritas de Avignon"
dejan de contarnos una historia. Su sintaxis es abstracta
y tampoco buscan esas formar narrar nada en particular.
Rompiendo con sus propias etapas Azul o Rosa, aquellas
"señoritas" de un prostíbulo de la calle de Avignon, lucen
en un lienzo de manera tal, que huelga en ellas toda
referencia a su cuerpo, sensualidad, profesión o moral.
"Las Señoritas de Avignon" son forma, son textura,
son color, son relación figura y fondo. Son obra en
sí misma, llevan al primer plano el instrumento plástico
y dejan atrás la narración.

Después de aquel prostíbulo, adviene medio siglo de
arte abstracto, concreto, un arte que no pretende decirnos
específicamente nada. Y así un ruso pinta un cuadrado
blanco sobre otro cuadrado blanco - K. Malevich,
"Blanco sobre Blanco" - y un holandés -
Piet Mondrian - plasma barras horizontales
y verticales de ángulos rectos que delimitan áreas
de color rojo, amarillo o azul. Un argentino internacional
- Lucio Fontana - hace un tajo y otro tajo en la superficie
de sus lienzos. ¿Se podía ir más allá? ¿Se podía ser más
abstracto que estos artistas abstractos?

El arte moderno, en su gran mayoría, dejó atrás la narrativa.
¿Dejó de ser político, o hizo otra forma de política?
¿Definirse por la abstracción, no es acaso una decisión política?

Arte "Puro" ¿arte mudo?
Si seguimos el curso del pensamiento de aquel Ortega
que definía al "Arte Puro", hoy "leemos" en la "mudez"
de los abstractos y concretos y "leemos" en ellos tanto
"texto" como en los naturalistas que les precedieron.
Cuando el legendario Pollock mancha el lienzo.
¿Deja de expresar su tiempo, de exhibir en su caótica
espontaneidad un culto al azar y a la improvisación?
Ideología, también la mancha aquella fue y es ideología,
como lo es la perfección, la actitud precisa y tecnológica
de lo los geométricos concretos. ¿No es acaso el Informalismo
la expresión de la posguerra y el preámbulo de la crisis
existencial o del abismo posmoderno? ¿No están esas no
formas asociadas a un cuerpo filosófico también?
Paradigmas de obras de arte que siendo abstractas parecían callar.
¿Callaron?
¿O son también obras políticas como lo es cualquier acción humana?

Hillary pide el voto para Obama

2008-10-31T06:01:00.000-07:00

Hillary Clinton acaba de anunciar la "suspensión" de su campaña en un acto en Washington. Estas han sido algunas de sus frases:

"Yo hoy estoy con el senador Obama para decir: 'Sí, podemos'".

"La forma de continuar nuestra lucha, de lograr los objetivos que nos importan, es poner toda nuestra energía, nuestra pasión y fortaleza en ayudar a Barack Obama a ganar las elecciones. Hoy, al suspender mi campaña, le felicito por su victoria y por su extraordinaria victoria. Le doy mi pleno respaldo".

"Hay que respaldar a Obama para lograr un Estados Unidos más fuerte". "Si podemos colocar a mujeres en el espacio, seguramente lo podremos hacer también en la presidencia".

"La vida es muy corta, el tiempo es muy valioso, y no podemos perderlo pensando en lo que hubiera podido ser".

La "suspensión" supone que podrá seguir recaudando dinero, algo muy importante ya que que su campaña registra una deuda de más de 30 millones de dólares, y seguir teniendo el control de los 1.926 delegados conseguidos y, por tanto, negociar su futuro político.

Una campana para la historia

2008-10-31T05:55:00.000-07:00

El próximo 20 de noviembre tendrá lugar en Madrid la séptima edición del Seminario Internacional de Comunicación Política y Electoral, organizado por MAS Consulting Group y la Universidad George Washington con la colaboración de la Universidad Pontificia Comillas.

Pocos días después de las elecciones más espectaculares de la Historia, destacados asesores del Partido Demócrata y del Partido Republicano se reunirán en Madrid. Hablarán, entre otros, de estos temas:

- ¿Cómo se ha construido la marca Obama?
- ¿Qué errores y qué aciertos ha cometido John McCain?
- ¿Qué papel ha jugado Internet en la campaña americana?
- ¿Cómo es la publicidad política que se está haciendo en EE.UU.?
- ¿Cómo se trasnmiten las historias de los candidatos?
- ¿De qué manera se puede llegar a diferentes colectivos como los hispanos?
- ¿Qué estrategias y técnicas pueden aplicar los candidatos españoles?

McCain, ¿a dos puntos de Obama?

La campaña de Obama debió llevarse ayer un buen susto al ver los resultados de la ultima encuesta de Gallup, que indica que la diferencia entre ambos se ha reducido a dos puntos si la participación fuera la habitual en las elecciones. No obstante, si aumenta la participación, Gallup pronostica que Obama podría vencer por siete puntos, siempre y cuando consiga una movilización muy elevada. Habrá que estar pendientes al mensaje de 30 minutos que Obama emitirá hoy en horario de máxima audiencia para todo el país.

http://www.abc.es/

Historias de Dani

2008-10-30T05:57:00.000-07:00

danirmartin.blogspot.com

Jeg savner dig.

Hace unas semanas Sarah leía mi blog tirada en el sofá mientras yo, sentado, veía la tele.

-"ay!, go´dito, qué bien escribes..."-

-"gracias... es lo que se dice cuando no se es imparcial"-

-"pero ya no escribes de mí... parece que no tengas novia. No has contado nada de los días en Portugal, ni de cuando estuvimos en PuraVida..."- (...) -"antes hablabas más de mí"-

Entonces me dí cuenta de dos cosas: que cada vez escribo menos crónicas de lo que he (hemos) hecho, crónicas porqué sí. Es la evolución de lo que uno quiere contar.

Eso por un lado, por el otro, reparé que era cierto eso de que no hablaba tanto como antes de ella. Y pensando más a fondo, me dí cuenta de que aquellos posts contaban historias de ausencias, de echarse de menos, de visitas con fechas de caducidad. Historias de aeropuertos, de despedidas en la puerta de embarque... Posts inspirados en la incertidumbre de cuando sería la fecha de volvernos a ver.

-"pues, la verdad, prefiero hablar de ti menos que antes y tenerte aquí todos los días, go´dita"-

Y así es: si una consecuencia de que Sarah y yo hace ya 7 meses que vivimos definitivamente juntos es no tener que hablar de echarse de menos, bienvenidos sean esos posts ausentes.

...

Por eso, hoy, 12 días después de dejar a Sarah en el aeropuerto de Jerez camino a sus merecidas vacaciones en su casa, con su madre y su gente, su familia y sus amigos, vuelvo a sentir la necesidad de escribir sobre ella.

Y es que te echo de menos, skat.

Yo, yo y yo (el arte del spameo Vol.1)

2008-10-30T05:54:00.000-07:00

Así es amigos. Ni videojuegos, ni música, ni leches. Mi sección favorita de esta página (en verdad una gigantesca cortina de humo para encubrir mis delirios de grandeza) es: el autobombo. Y es que resulta que, según me han informado, mañana salgo en El Mundo en la sección A la última en la Red del suplemento Metropoli (cortesía de Mònica Escudero)

Me merezco que os gastéis 1 € en mí!

Y cómo todo esta bien, siendo yo el jefe supremo de todo lo que existe, os dejo la canción que será el himno de mi reinado dictatorial!

ELINA GARANCA CANTA MOZART

2008-10-28T04:21:00.000-07:00

La mezzosoprano letona Elina Garanca es una de las nuevas promesas de la lírica dentro de su cuerda, y ya le ha echado el ojo el sello Virgin, para el que ella había colaborado en el reparto del Bajazet de Vivaldi a las órdenes de Fabio Biondi. Este es su segundo disco en solitario (el primero, en ONDINE, se remonta ya a 2001) y en este caso le toca el turno a Mozart -cómo no, estando en el año en el que estamos- con arias de concierto, y arias extraídas de alguna de sus óperas. En esta ocasión le acompaña la "Camerata Salzburg" bajo la batuta del director francés Louis Langrée, habitual en los fosos operísticos.

En el disco no hay nada que destaque especialmente, ni nada que desmerezca especialmente, es un disco correcto, que no entusiasma, pero que tampoco decepciona.

Interesante el color de la voz, muchas veces sedoso y carnoso, sobre todo en las arias más extensas y con más cambios de "registro", como en las arias de concierto "Misero me!... Misero pargoletto!" K.77 y la más conocida, "Ch´io mi scordi di te?... Non temer, amato bene" K. 505, con una correcta interpretación al piano de ese pianista de "parches" que es Frank Braley. Aquí, sobre todo en la primera de las mencionadas, la Garanca despliega todo su poder expresivo, desde el lamento inicial al virtuosismo final. No tiene una gran gama tímbrica pero esa, llamémosle, "monotonía en el color" tampoco parece un inconveniente en las interpretaciones, sólo que se podría esperar algo más. Lo mismo sucede en la segunda aria de las mencionadas, muy comedida en cuanto a la tímbrica, pero que se desenvuelve muy bien en el lado expresivo.

El acompañamiento orquestal se mueve entre el historicismo, y la tradición; un contraste curioso, sobre todo en los tempi elegidos, que pueden tildarse de caprichosos, por ejemplo en las arias de Così fan tutte (el aria de Dorabella, "Ah, scostati!... Smanie implacabili" y el aria de Fiordiligi, "Temerari!... Come scoglio") donde los "tempi", más marcadamente en la segunda aria, son algo más lentos de lo habitual. La cantante está aquí en su línea, domina en este caso mejor la primera aria, donde sí se expresa a gusto (dentro de su "monotonía") que la segunda, más pendiente de las florituras que de la "rabia" que tiene que salir de esta música.

Las arias de Ramiro, de La finta giardiniera ("Va pure ad altri" y "Se l´augellin sen fugge") muy "barroquistas" están firmadas con gran pericia, tanto por la parte orquestal como por la vocal. De La clemenza di Tito canta el aria de Vitellia, "Deh se piacer mi vuoi", muy meditada pero, aún así poco expresiva; en este caso, esa tímbrica poco "lucida" de la cantante, le va muy bien a este aria "dubitativa". El resto de las arias del disco lo conforman las arias de concierto "Chi sa, chi sa, qual sia" K. 582, muy buena tarjeta de presentación, "Basta, vincesti... Ah, non lasciarmi, no" K.486a, y la bellísima, aquí algo deslucida, "Alma grande e nobil core" K.578.

En resumen, interpretaciones correctas, pero lo dicho, que no aportan nada, y que pasarán como un disco más, entre tantos otros que se editarán en este nuevo aniversario de Mozart.

REFERENCIAS:

Mozart: Arias de ópera y de concierto.
Elina Garanca, mezzosoprano.
Camerata Salzburg.
Frank Braley, piano.
Louis Langrée, dirección.
332631 2 Virgin.

Bartolomeu Campos de Queirós gana premio SM de Literatura

2008-10-28T04:18:00.000-07:00

El escritor Bartolomeu Campos de Queirós, de 64 años. ESPECIAL

El brasileño recibirá 30 mil dólares y estatuilla en la FIL Guadalajara

Se designó como ganador del IV Premio Iberoamericano SM de Literatura Infantil y Juvenil

CIUDAD DE MÉXICO.- El brasileño Bartolomeu Campos de Queirós fue designado hoy ganador del IV Premio Iberoamericano SM de Literatura Infantil y Juvenil, cuya bolsa de 30 mil dólares y estatuilla le será entregada el próximo 2 de diciembre en la Feria Internacional de Libro en Guadalajara.

El escritor, de 64 años, mereció el premio "por la trascendencia de su obra y el carácter poético y filosófico de sus textos, así como por el compromiso con el arte literario sin concesiones", de acuerdo con el jurado encabezado por Silvia Castrillón, quien dio lectura al acta firmada apenas ayer por la tarde, aquí.

Castrillón Informó que el Premio Iberoamericano de Literatura Infantil y Juvenil Ediciones SM nació en 2005, Año Iberoamericano de la Lectura, para impulsar ese género literario en toda Iberoamérica, como una iniciativa de Ediciones SM, a través del Instituto SM para la Educación (ISME).

Explicó que Campos de Queirós, "Barto", como le llaman sus amigos más cercanos, nació en Brasil hace 64 años, "en un pueblito de Minas Gerais, un estado ubicado en el centro del país". A la fecha ha escrito casi medio centenar de libros para el público infantil y juvenil, desde que inició su carrera en 1974.

Subrayó la presidenta del jurado que la obra del galardonado destaca, desde su origen, por su altísimo compromiso con la educación, la formación de nuevos lectores y la promoción de la lectura. "Su labor enaltece y dignifica al mundo de la literatura pensada para esos sectores de la población en todo el mundo", señaló.

Durante una conferencia de prensa se subrayó que el evento es organizado con el apoyo de organizaciones internacionales destacadas en el ámbito cultural y educativo de Iberoamérica, como el Centro Regional para el Fomento del Libro en América Latina y el Caribe, y el International Board on Books for Young People.

También participan la Organización de Estados Iberoamericanos para la Educación, la Ciencia y la Cultura y la Oficina Regional de Educación para América Latina y el Caribe y la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura. Cada instancia aportó un jurado calificador.

Sobre la historia y trascendencia del Premio Iberoamericano SM de Literatura Infantil y Juvenil, recordó que en 2005 se puso en marcha, con carácter anual, dentro del Plan Iberoamericano de Lectura, programa de la Cumbre de Jefes de Estado y de Gobierno de Iberoamérica que promueve la lectura en la región.

Este premio reconoce año tras año a aquellos autores que han desarrollado su carrera literaria en el ámbito del libro infantil y juvenil, con el objetivo de impulsar en toda Iberoamérica la literatura para niños y jóvenes, y con ello contribuir a la promoción de la lectura, comentó quien este año preside el jurado.

Al respecto apuntó que el jurado del premio está constituido por cinco miembros designados por las instituciones convocantes, todos reconocidos expertos en el quehacer literario. Este año, acotó, se recibieron 22 candidatos provenientes de ocho naciones iberoamericanas interesadas en el tema.

En su primera edición, el galardón recayó en el español Juan Farías; en la segunda, en la colombiana Gloria Cecilia Díaz; en la tercera ganó Montserrat del Amo, de España, y este año, cuarta edición correspondiente a 2008, el brasileño "Barto", quien desde hace 10 años ha inspirado a no pocas maestrías y doctorados.

Sasha Pivovarova para Giorgio Armani Cosmetics

2008-10-28T04:15:00.000-07:00

La modelo y artista rusa Sasha Pivovarova es la protagonista de los nuevos anuncios de la división cosmética de la marca Giorgio Armani. Sasha pertenece a la agencia IMG.

Arte Gótico en Europa

2008-10-15T02:49:00.000-07:00

Esta sección está dedicada al Arte Gótico en Europa

Orden y secciones de esta página
La página del ARTE GÓTICO EN EUROPA está ordenada por subsecciones que aparecen en la columna de la izquierda.

· Arte Gótico en Europa. Página principal
· Pintura Gótica en Italia
· Pietro Cavallini
· Giovanni Cimabue
· Giotto
· Escuela de Siena
· Duccio
· Simone Martini
· Hermanos Lorenzetti
· Primitivos Flamencos
· Jan Van Eyck
· Van der Weyden
· Gerard David
· Hans Memling
· El Bosco
· Joachim Patinir

No olvide que, a su vez, en la columna de la derecha ("Contenidos") puede visitar otras secciones sobre arte en España y el mundo occidental de todos los tiempos.

Otros libros destacados del mes

2008-10-14T16:30:00.001-07:00

Saca al artista que llevas dentro

2008-10-11T05:09:00.000-07:00

Moda, Design, Arts & Decoración

Saca al artista que llevas dentro…

http://jacksonpollock.org
La mia:

(Se cambia de color clikeando. Si te mantienes un tiempo la mancha se hace mas gorda.)

Sobre Eutopía y los jóvenes artistas

2008-10-11T05:07:00.001-07:00

No me gustan eventos estilo Eutopía que se vienen celebrando en nuestra ciudad últimamente. ¿Que por qué? Porque ni de lejos cumplen la función principal de su razón de ser, (se supone) apoyar a los jóvenes artistas y porque de verdad que es sangrante ver la cantidad de dinero (tuyo y mío) que se dedica para que se lo lleven las personas/artistas (no jóvenes) de siempre. ¿De qué le sirve a un joven artista ver conciertos de grupos muy populares y consagrados que ya conoce y que son promocionados hasta la saciedad? ¿Talleres de 4 días? ¿Qué tiene que ver Amaral con el arte joven? ¿Por qué encima tengo que pagar precios de mercado por verlos si están subvencionados? ¿Cuántos jóvenes artistas cordobeses hay implicados y en qué condiciones?

Al final te das cuenta de que esto no se trata de exponer arte o ayudar a artistas jóvenes sino de hacer negocio, salir en medios, hacerse fotos, ponerse medallas, subvencionar votos y de que la pasta (la tuya y la mía) al final se la lleven personas que ni son jóvenes ni son artistas.

Estaría bien dedicar ese dinero a crear un tejido o infraestructura donde el joven artista pueda desarrollarse como tal y darle oportunidades. Estoy seguro que éstos lo necesitan más que Calamaro o Bumbury .

Javier Jiménez Urbano

Córdoba

Escritor francés gana Premio Nobel de Literatura 2008

2008-10-11T05:05:00.001-07:00

El escritor francés Jean-Marie Gustave Le Clezio fue galardonado este jueves con el Premio Nobel de Literatura 2008

El escritor francés Jean-Marie Gustave Le Clezio fue galardonado este jueves con el Premio Nobel de Literatura 2008, según anunció la Academia Sueca.

La academia calificó a Jean-Marie Gustave Le Clezio como "autor de la ruptura la, aventura poética y el éxtasis sensual, un explorador de la humanidad más allá y por debajo de la civilización reinante".

Se trata del cuarto Premio Nobel que se otorga este año, tras las recientes concesiones en las categorías de Química, Física y Medicina en los últimos tres días.

El Premio Nobel se otorga anualmente desde 1901 a aquellas personas que "han hecho una gran contribución a la humanidad durante el año precedente".

El premio se anuncia generalmente en octubre y se entrega el 10 de diciembre en recuerdo del fallecimiento de Alfred Nobel, industrial sueco inventor de la dinamita, en el año 1896.

Cada premio consta de una medalla, un diploma personal y una suma de 10 millones de coronas suecas (1,4 millones de dólares USA). (Xinhua)

El arte con identidad cultural: El arte latinoamericano

2008-10-11T05:02:00.000-07:00

Mtra. Carmen Bravo Ordoñez

El concepto de arte nació en Occidente, en la Europa del Renacimiento, reclamando la autonomía de lo humano frente a lo sagrado. Privilegió a lo individual frente a lo social, glorificando al artista como genio y ser excepcional.

Con el Renacimiento, la belleza se convierte en categoría fundamental y alcanza su máxima expresión a mediados del siglo XIX en un esteticismo idealista que consagra el arte por el arte como premisa y un sólido instrumento de dominación cultural propia de una élite metropolitana, que será asumida sin cuestionamientos por las burguesías periféricas.

Tal estética se fundamenta en la belleza idealizada en el inasible sentido de lo bello y no en la naturaleza misma del arte, que no siempre gira en torno a lo bello y lo sublime, existiendo miles de obras de valor estético que simbolizan otras cosas. Mientras el arte occidental estuvo desde los griegos hasta fines del siglo XIX determinado por las formas naturales y el realismo -aunque con altibajos- mantuvo su vigencia a lo largo de este siglo. En tanto, el arte no occidental evidenció siempre una gran independencia frente a las formas naturales, determinándose por lo simbólico. Por ejemplo, la estética prehispánica tiene sentido teocrático y está conformada por sus rituales, y su representación gráfica conformada por líneas geométricas aplicadas incluso a la figura humana y deidades. Aquí, el sentido de lo bello es diferente de la estética occidental pero, al igual que en otros campos, Europa impuso, a través de su historia, sus propios conceptos estéticos en reglas de validez universal, sin indagar ni considerar antes las prácticas de otras culturas.

Citando al crítico y teórico del arte latinoamericano Adolfo Colombres, se puede afirmar que "Ningún arte verdadero se da al margen de todo grupo social, de un contexto cultural que le confiera sentido.”1. Influenciados por un falso universalismo, muchos artistas latinos crearon aquí como si fueran europeos o norteamericanos y como si no pertenecieran a un mundo dominado, sino a las metrópolis que regulan las modas, y eso segregó su obra apartándola de la auténtica universalidad. Paul Klee decía que “La percepción visual es pensamiento visual”2, lo que implica que éste último condiciona a aquélla. Este pensamiento visual carecerá de sentido si no busca desde un comienzo su autonomía orientada hacia una autodeterminación estética, que ha de darse en un contexto del pensamiento nacional y americano, lejos de ese falso universalismo con el que se nos coloniza, pero sin caer en lo opuesto : el nacionalismo ni el chauvinismo.

Para conceptualizar el arte con identidad, ha de considerarse la conjugación de tiempos, el pasado, presente y futuro. Necesitamos el pasado, sin duda, pero como un impulso hacia la compenetración con el presente y en el presente; estar conscientes de la complejidad del mundo actual, inmerso en la tecnología y los medios masivos de comunicación: fotografía, cine, tv, videojuegos, internet, que conforman la cultura visual. Y es insuficiente el presente, en tanto el arte tiene la misión, como toda creación cultural, de cambiar constantemente el presente y los lenguajes visuales de la colectividad. Por consiguiente, el cambio conceptual ha de proyectarse al futuro; cualquier cambio conceptual del arte, tendrá que darse dentro de los términos de la cultura occidental y recurrir al espíritu más subversivo, que suele apelar al primitivismo, entendiéndose no como una voluntad de regreso sino a una invocación antropológica que estimula la actualización de lo primario del hombre o la humanización de la actualidad.
Si consideramos también la propuesta de Juan Acha, teórico y crítico del arte latinoamericano, cuando afirma que: “Exagerando lo literal de la originalidad, solemos recurrir a lo prehispánico, negando así el mestizaje e ignorando la falsedad de los dilemas, viejo o nuevo, universal o nacional “3, vamos entonces a reconocer que somos el resultado de una "transculturización" y que, para lograr el arte con identidad latinoamericano, debemos aceptar y asumir tanto lo occidental como lo ancestral de las culturas primigenias que mejor nos capacita para cambiar el arte y cambiarnos a nosotros mismos, hasta llegar a los extremos más inconcebibles y más autóctonos. ”Nuestra cultura es y será por mucho tiempo mestiza", (dice JJ. Acha)3.

Para concluir este breve análisis pongo a consideración estas reflexiones:

Para lograr un arte con identidad cultural es necesario lograr una independencia cultural y reconocer las dos vertientes de nuestro mestizaje cultural, lo occidental y lo prehispánico.
No podemos cambiar nuestro arte ni a Latinoamérica sin que nos cambiemos a nosotros mismos, asumiendo, rescatando y revalorando los elementos culturales que nos han formado: Occidente y nuestro mestizaje, éste y el autoctonismo. Porque el arte con identidad cultural corresponde y sirve a una colectividad, convirtiéndose en testigo de su realidad y a la par, invención de ella; en este caso de América Latina.

1 Adolfo Colombro. Mitos, ritos y fetiches. Ensayo sobre el arte latinoamericano. Argentina. 1979.

2 Citado en Juan Acha. Hacía una independencia visual del arte. Perú. 1979.

3 Op. Cit.

* Carmen Bravo es pintora, escultora y restauradora por la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes de Perú. Actualmente enfoca su obra y sus investigaciones estéticas hacia los mitos y leyendas prehispánicas y realiza un análisis sobre el sincretismo de los "Angeles Arcabuceros del siglo XVII en Perú", su tesis de maestría. El arte que ella realiza mitifica un pasado popular y lo reconcilia con la occidentalidad. Las líneas inspiradas en el renacimiento italiano otorgan a sus cuadros una actitud prerrafaelista a su obra y la sumergen en un ambiente onírico y contemporáneo.

Afhit Hernández

Artesanos y productos

2008-10-11T05:00:00.000-07:00

El actual carácter de la Comarca del Cinca Medio, dinámica y con vocación de futuro, no evita entrever un pasado hondamente ligado a la tierra y a las actividades tradicionales.

Lo que un día fue una actividad predominante-mente agrícola y ganadera, una forma de vida totalmente rural y en ocasiones autosuficiente, dio lugar a las profesiones y actividades artesanales que aún hoy se conservan en la Comarca.

Una vez más el río proporciona las materias primas y el marco para la aparición de unos artesanos propios de lugares húmedos: Los cesteros. El mimbre y los juncos, como materia prima para que en cada núcleo habitado alguna persona,

o incluso casi en cada casa, esta actividad de fabricar cestos, canastas, o arreos para los animales perdurara hasta nuestros días.

Del mismo modo pero ligados a la planta del esparto, propia de los lugares secos de nuestra comarca, los esparteros, también fueron algunos de nuestros, artesanos, participando en la fabricación de elementos para los animales o calzado.

Sólo algunos ancianos conservan la tradición y los secretos de estas costumbres y de otras también propias de sociedades agroganaderas, como cordeleros, toneleros, herreros, alfareros.

Un moderno interés por las actividades manuales ha hecho resurgir oficios y trabajos que amenazaban con perderse. Sucede por ejemplo con las labores como el encaje de bolillos, o los telares. En En relación a los bolillos, en los últimos años han experimentado un notable auge culminando con encuentros anuales en nuestra comarca de carácter, nacional.

Por otro lado las escuelas de talla municipales de telares o de tapicess, siguen fomentando el auge de la recuperación de oficios y actividades profundamente ligadas a nuestra tierra.

Un grupo de artesanos en diferentes puntos de nuestra comarca, realizan sus trabajos de forma profesional, tratando de sacar adelante, oficios y productos de una calidad indudable y en todo caso de un valor más allá de lo económico. Todos ellos tienen puertas abiertas al público y pertenece a la Asociación de Artesanos de Aragón, suelen tener presencia en las ferias del sector de la artesanía, donde también realizan venta directa. La visita a sus talleres garantiza una grata sorpresa y el descubrimiento de la tenue frontera entre la artesanía y el genio artístico.

Arte por todas partes.

2008-10-10T01:57:00.000-07:00

La muestra fue un éxito como siempre, los artistas emocionados se sacaron millones de fotos con quienes los fueron a ver (LOS QUE NO FUERON QUE SE CURTAN).

La compañia “EL pingüinazo” (si alguna vez tienen la oportunidad de verlos, son impresionantes) nos hipnotizó con su nueva obra de sonidos y formas, imaginense lo grosos que son, que la obra es muda y los chicos se quedan tildados media hora, impactados.

Y despues “Las Marionetas de Orsini“, otro espectaculo sin palabras, pasen y vean la pagina, arte callejero de nivel internacional, como dicen ellos, crean una burbuja que te aisla del ritmo real de la calle. Increíble.

Un lujo que mi hija experimente con gente tan capa, un lujo el mundo que esta descubriendo, me emociona verla tan interesada, tan conmovida, tan abierta, tan sensible, tan libre, tan personal en su interpretacion de lo que para ella es arte.

Brilla, siempre brilla.

CRISTINA SCHAMANN, la moda también está en la cabeza

2008-10-10T01:52:00.000-07:00

Hemos sido testigos —en la pasada temporada de invierno— de cómo pamelas y casquetes, gorras y boinas, resurgían de entre los olvidados y con ímpetu y elegancia se intentaban hacer hueco en el atuendo nuestro de cada día. ‘Son modas complicadas’, como diría mi madre; ataviarte como una diva de los 30 o con boina a lo Faye Dunaway en Bonnie and Clyde en pleno siglo XXI puede parecer descabellado, pero lo cierto es que debería considerarse un gesto de estilo atemporal y muy elegante.

Aunque, la época dorada del sombrero es la de las bodas. No hay boda de ‘alto copete’ que se precie en la que damas, madrinas y amigas lucen ufanas el mejor de los tocados; y es que, pamelas y casquetes aportan sofisticación, distinción y una nota de originalidad independientemente de cuál sea el estilo personal.

Se acerca el momento del sombrero. Los enlaces y otros eventos de etiqueta consiguen desempolvar las buenas creaciones de los maestros sombrereros. Y para convencernos de que este complemento también puede ser un elemento de moda está Cristina Schamann. Esta canaria apasionada por la moda se decantó por la creación de sombreros y otras piezas de gran creatividad —quién sabe— quizás influida por el abrumante colorido de los carnavales canarios o la multiculturalidad reinante en las islas.

Lo cierto es que fue en los populares y ostentosos talleres de carnaval tan abundantes en su tierra natal donde comenzó a hacer sus pinitos en la creación de sombreros y tocados hasta conseguir su título en sombrerería en el Fashion Institute de Nueva York. Hoy, aparte de hacer creaciones para el público y colaborar con diseñadores de moda, también explora el diseño artístico elaborando piezas para el teatro y la ópera.

Sus colecciones están basadas en el uso de los más exquisitos materiales textiles, genuina gama de colores, impresiones únicas, impecable acabado a mano y cierta perfección en el detalle; requisitos necesarios si de obtener piezas únicas se trata. Imprescindible para marcar estilo.

Premio Nobel 2008

2008-10-10T01:43:00.000-07:00

Pueblo en linea

Escritor francés gana Premio Nobel de Literatura 2008
Pueblo en linea - hace 6 horas
El escritor francés Jean-Marie Gustave Le Clezio fue galardonado este jueves con el Premio Nobel de Literatura 2008, según anunció la Academia Sueca. ...
Le Clézio se quedó con el Premio Nobel de Literatura 2008 La Razón (Argentina)
El Nobel de Literatura 2008 admira las culturas indígenas americanas El Nuevo Diario
El francés Le Clézio gana el Nobel de Literatura 2008 RTVE
Diario Hoy (Ecuador) - Reuters América Latina
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Univisión

Truco luminoso de una medusa está tras el Nobel de Química 2008
El Mercurio (Chile) - hace 22 horas
El secreto tras la habilidad de algunas medusas para brillar en el agua produciendo una luz verdosa fue el detonante del Premio Nobel de Química 2008. ...
Nobel de Química para los descubridores de la proteína verde ... La Gaceta de los Negocios
Ganadores de premios Nobel de química hablan con La W W Radio
Expertos en proteína fluorescente ganan Premio Nobel de Química La Nación Costa Rica
La Razón (Bolivia) - La Prensa (Panamá)
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ABC.es

La crisis económica no puede con el premio Nobel, que hoy se falla ...
ABC.es - 8 Oct 2008
Hoy, la proclamación del premio Nobel de Literatura 2008 llega envuelta en la polémica levantada por la agencia Associated Press (Ap), que escribió en una ...
El Nobel de Literatura llega marcado por la Ideal Digital
Los errores del Nobel Sur Digital (Andalucía)
El Premio Nobel de Literatura 2008 será anunciado el 9 de octubre AFP
El Nacional (Venezuela) - RTVE
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AFP	Bibliografía de Le Clézio, Premio Nobel de Literatura 2008 AFP - hace 19 horas PARÍS (AFP) — Jean-Marie Gustave Le Clézio, que fue galardonado este jueves con el Premio Nobel de Literatura 2008, es autor de medio centenar de libros, ...

El Universal (México)

Otorgan Premio Nobel Medicina 2008 por descubrimiento de HPV y VIH ...
Milenio - 6 Oct 2008
Fotos: AP El alemán Harald zur Hausen y los franceses Françoise Barré-Sinoussi y Luc Montagnier fueron galardonados hoy con el Premio Nobel de Medicina 2008 ...
Comparten Premio Nobel de Medicina 2008 Radio Rebelde
UNESCO felicita a profesor francés Luc Montagnier por Premio Nobel Prensa Latina
Premio Nobel Medicina 2008: por descubrimiento de VIH y HPV Región del Maule
ABC Color - Deutsche Welle Español
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El Pais - Cali Colombia

Nominación de Ingrid al Nobel genera polémica
El Pais - Cali Colombia - hace 3 horas
Ingrid Betancourt recibió en septiembre el premio Príncipe de Asturias de la Concordia 2008, cuyo jurado consideró que ella “personifica a todos aquellos ...
Tibio entusiasmo de colombianos frente a eventual Nobel a Ingrid ... AFP
Tres favoritos para el Nobel de la Paz El Comercio (Ecuador)
Ingrid Betancourt, muy cerca del Nobel de la PazCaracol | Octubre ... Caracol Radio
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La Tercera

El ganador del Nobel es miembro de la Academia desde 1994
El Universal (Venezuela) - hace 2 horas
Harald Zur Hausen, Premio Nobel 2008 y descubridor del virus que causa el cáncer uterino pertenece, como miembro correspondiente extranjero, a la Academia ...
Nobel de Medicina de 2008 deja sin laureles a científicos que ... Cambio
Experto aconseja a mujeres sobre cómo prevenir el cáncer ... La Tercera
Premios Nobel piden a Sarkozy que la crisis no afecte a la ... El Universal (Venezuela)
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Voice of America

Nobel de Física con talento local
El Universal (Venezuela) - hace 2 horas
... saltaron a la inmortalidad el martes al recibir el premio Nobel de Física 2008, no sólo por ser considerados los pioneros de la Física Subatómica, ...
Japón sobresale en el Nobel de Física 2008 El Diario de Yucatán
Decepción en Italia por Nobel Física: Italianos se sienten olvidados La Nación (Paraguay)
Premio Nobel de Física 2008 con acento japonés euronews
Notibaires.com
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Carbó BerthoId, ganador del IV Concurso de Pintura Joven "Blanco y Negro"

2008-10-10T01:39:00.000-07:00

En el concurso nacional que anualmente convoca el semanario madrileño, ha triunfado la representación de la crítica catalana, y con todo merecimiento, correspodiendo, con merito no menor el Premio-1976 a la obra titulada Rapte-forma en el jardí semantil, original de Gustavo Carbó Berthold. El joven pintor barcelonés ha hecho suyo el galardón en justo lance: los seis votos de los crítico de su tierra se han visto incrementados con otros cinco (aún mas imparciales) hasta sumar holgada mayoría.Bastaron las tres votaciones previstas para que, desde la primera, prevaleciera el nombre de Carbó Berthold. Siempre, a su zaga, estos son los nombres que sonaron en la ronda final: Natividad Cañada, Juan Gomila, José María Gallardo, Manuel López Herrera, Agueda de la Pisa, Ignacio Berriobeña, Raúl Santos Viana y F. Javier ViIlota.

Lo más significativo del premio, y de los votos que lo propiciaron, responde a la nueva orientación que se le ha querido conferir, quedando victoriosa la opción de unos criterios más o menos acordes con la actualidad, pero decididamente enemistados con aquellas otras motivaciones que habían llegado a imprimir al concurso, apenas nacido, el sello de un anacrónico academicismo.

Prueba de que desde algunos sectores de la crítica se intentó reanimar el rescoldo de anteriores convocatorias y recompensas es el hecho de que el segundo puesto recayera (con siete votos) en la obra de Natividad Cañada, cuyo corte académico y su misma condición, de obra de concurso a la vieja usanza están a la vista del contemplador.

Tampoco es mal síntoma el que tanto Natividad Cañada corno Carbó Berthold hayan concurrido a las ediciones precedentes en las que el carácter tradicional de las obras premiadas, tan en la línea de aquélla, se impuso a los intentos renovadores de éste, tres veces finalista. Al fin se ha inclinado de su Iado la balanza, ojalá que como pauta para futuras convocatorias.

Nuevos ganadores del 2do Concurso MAVI Bicentenario de Arte Joven

2008-10-10T01:33:00.000-07:00

Directora Ejecutiva Fundación Cultural Plaza Mulato Gil de Castro

Mauro Valdés
VP Asuntos Corporativos BHP Billiton

Paulina Urrutia
Ministra de Cultura

En ceremonia de premiación:

A la ceremonia de premiación de la segunda versión del concurso, realizada el jueves 29 de noviembre en el MAVI, asistieron los 27 artistas seleccionados por el jurado.
El artista Rodrigo Bruna, ganó el Primer Premio MAVI, una parcela de 5000 mt2 ubicada en el Valle de los Artistas, Lolol, Región de O´Higgins, avaluada en $6.000.000.-
El premio Bicentenario, equivalente a $2.000.000, lo recibió Catalina González Arancibia, por la obra “Muros”, el cual fue entregado por la Ministra Presidenta del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, Paulina Urrutia.
Este año, el jurado otorgó 4 menciones honrosas, destacando la calidad y la originalidad de las obras seleccionadas.

Expectación generó la premiación del 2do Concurso MAVI Bicentenario de Arte Joven, realizada el día de ayer en el Museo de Artes Visuales, con las nominaciones del jurado. Este año, el ganador del primer premio MAVI, de adquisición, recayó en el artista visual Rodrigo Bruna, quien presentó la obra “Reconstruccionllanos”, con la cual ganó una parcela avaluada en $6.000.000 en el Valle de los Artistas, ubicado en Lolol, VI región.

El segundo y tercer premio Minera Escondida, ambos de adquisición, fueron otorgados a Carlos Zúñiga Andrighetti por la obra “Detenidos en Apnea”, y Christian Galaz por “Estudio de Luz”, respectivamente. Ambos artistas recibieron el premio de manos de Mauro Valdés, VP de Asuntos Corporativos de BHP Billiton.

Este año, el Premio Bicentenario, fue entregado por la Ministra Presidenta del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, Paulina Urrutia, quien hizo entrega del premio a la artista Catalina González Arancibia, por la obra “Muros”, equivalente a $2.000.000.-

A diferencia del concurso anterior, este año el jurado integrado por Andrea Brauweiler, Directora de Arte de la Fundación Cultural Plaza Mulato Gil de Castro; Mario Fonseca, crítico, curador y artista visual; Gonzalo Cienfuegos, artista visual y miembro de la Comisión Bicentenario; Arturo Duclos, artista visual, Daniela Rosenfeld, curadora Centro de Extensión UC y Beatriz Huidobro, historiadora del arte, quien ofició como Comisario, otorgó 4 menciones honrosas, a los siguientes artistas: Cristhian Letelier por “Universos Convocados”, Felipe Cusicanqui por la obra “Costurera”; Carola Ramírez por “Paseo frente al Parque Bustamante”, y por último, a Daniel Sánchez por la obra “like father...like son”.

Por segundo año consecutivo, el Museo de Artes Visuales (MAVI), calificó de “exitosa” la convocatoria masiva de jóvenes artistas a lo largo de todo Chile que, hasta último minuto, postuló al 2do Concurso MAVI Bicentenario de Arte Joven. Fueron más de 900 inscritos, los que enviaron sus obras a través de Internet con plazo de entrega hasta el 29 de julio pasado, día en que se cerró la convocatoria.

El objetivo de este concurso, organizado por el Museo de Artes Visuales, en colaboración con Minera Escondida y Comisión Bicentenario, es incentivar la creación artística y premiar la creatividad e innovación entre jóvenes talentos nacionales. La iniciativa es auspiciada por TVN 200años, Correos de Chile, Epson, El Mercurio, Radio Concierto y Viña Viu Manent.


Rodrigo Bruna Reconstrucionllanos Primer Premio MAVI	Carlos Zúñiga Detenidos en Apnea Segundo premio Minera Escondida	Catalina González Muros Premio Bicentenario

Cristhian Letelier y Andrea Brauweiler, Directora de Arte de la Fundación Cultural Plaza Mulato Gil de Castro Mención Honrosa	David Sánchez y María José Bunster, Directora Ejecutiva MAVI Mención Honrosa Mención Honrosa	Carolina Ramírez y Felipe Mella, Director de Balmaceda 1215 Mención Honrosa Mención Honrosa
	VER OBRAS GANADORAS
Felipe Cusicanqui Costurera M

Arte de Pueblo

2008-10-06T14:49:00.000-07:00

El arte contemporáneo “made in China” invade España

2008-10-06T14:25:00.000-07:00

No hay ninguna duda que el mercado
del arte chino vive un momento de
esplendor del que se están haciendo
eco las instituciones occidentales.
Coleccionista, comisarios, galeristas y artistas
han fijado su mirada en el arte chino.
El sector cultural y artístico en China está
creciendo de la mano del desarrollo económico
y de la emergencia de una nueva clase media urbana,
con ideas y gustos cada vez más internacionales.
El gobierno chino ha puesto en marcha un enorme
programa de desarrollo cultural en el que está
invirtiendo cifras astronómicas para suplir, en breve,
el retraso material del país en este ámbito.
Si a todo esto sumamos el ambiente que vivimos
de aumento de precios global en el mercado del arte,
podemos intentar hacernos a la idea de cómo
algunos artista chinos contemporáneos han visto
aumentar el valor de sus obras en un 400%
en los últimos cinco años, y como dentro del top 100
de artistas contemporáneos una tercera parte
de los cincuenta primeros son chinos,
como Chen Yifei, Fang Lijun, Wang Guangyi,
Zhang Xiaogang, Yue Minjun, Zhou Chunya o
Zeng Fanzhi. El éxito del arte chino contemporáneo
se debe tanto a la apertura del país al exterior,
como al descubrimiento de su potencial por
parte de occidente.

El año 2007 ha sido el año de España en China,

pero también el año en el que el arte chino

ha entrado en nuestros espacios expositivos.

Una entrada tímida pero con paso firme que

vaticinaba su protagonismo al año siguiente.

Coincidiendo con la celebración de los Juegos

Olímpicos con Beijing como sede, España en

2008 acoge el desembarco de una serie de

muestras de la creación china más actual.

La primera en inaugurarse fue la exposición

de fotografía Zhù Yi! que tras presentarse en

el Artium, puede verse en el Palau de la Virreina

de Barcelona hasta el 25 de mayo. Se trata de la mayor

muestra de arte contemporáneo chino realizada en

suelo español, en ella 31 fotógrafos nacidos desde

1960 captan con sus cámaras preocupaciones

comunes que les acechan. A principios de febrero

se abrió en el Instituto Valenciano de Arte Moderno

(IVAM) The Real Thing. Arte Contemporáneo de China,

en ella se exhiben los 33 trabajos de 18 artistas chinos.

A esta exposición le seguirán, en la institución valencia,

otras dos: 55 días en Valencia. Arte contemporáneo

chino del 29 de mayo al 13 de julio, y Tinta y papel del

29 de junio al 31de agosto. La Fundación Miró exhibe

del 22 de febrero al 25 de mayo Rojo Aparte.

Arte chino contemporáneo de la colección Sigg,

más de ochenta obras de una cincuentena de artistas,

que incluyen pintura, escultura, instalación, fotografía y

vídeo, pertenecientes al coleccionista suizo Uli Sigg.

Obra de Zhu Yi

Así mismo, el Museo Reina Sofía presenta desde

principios de marzo el trabajo del artista taiwanés

Chen Chieh-jen. Tribunal militar y prisión (2007-2008).

La exposición La modernidad desplazada. Treinta años

de arte abstracto chino, recorrerá de la mano de la

Fundación la Caixa sus sedes de Palma de Mallorca

(14 de marzo al 4 de mayo), Barcelona (3 de junio

al 17 de agosto) y Madrid (13 de noviembre al 4

de enero de 2009). Más allá del arte, el Centro

de Cultura Contemporánea de Barcelona reflexionará

con la exposición China soñada, china real sobre los

procesos de transformación urbana que ha experimentado

el gigante asiático a partir del próximo noviembre.

Al margen de estas propuestas institucionales,

hay que considerar también algunas galerías

privadas que presentan trabajos de artistas chinos

este año, como el Espace Cultural Ample de Barcelona,

que expone los fotógrafos Cang Xin y Li Wei, la

galería Dolores de Sierra de Madrid con una muestra

de Xia Xiaowan, la galería Marlborough que presenta

Pintura Reciente de Chu Teh-Chun o la Galería

O+O de Valencia que ha expuesto el trabajo del

grupo internacional Tsai Mo de Taiwán.

¿Cuento chino…? Lo cierto es que el “boom”

del arte contemporáneo chino se ha esparcido

por todo el mundo y no parece tratarse de una

casualidad. Está de moda, se encuentra en los

grandes centros de arte, se hacen exposiciones,

se escriben artículos y libros… Hoy por hoy, el

arte actual de chino es tan prolífico como su economía

y sin duda ha conquistado occidente.

230 años de Arte Españo en Canada

2008-10-06T14:19:00.000-07:00

Una invasión de humor en el Arte Joven de Aragón

2008-09-28T16:38:00.000-07:00

La tercera edición del ciclo Corner –un programa de apoyo al arte joven de Aragón, que ofrece una ayuda a la producción y fomento de la creación artística– tiene como un hilo argumental que dirige todas las propuestas: el humor. Bajo esta premisa, el comisario, artista independiente y galerista Mario Campos, ha seleccionado a seis jóvenes artistas para que sean los encargados de realizar intervenciones. Comenzaron en este mes –se abrió con un trabajo multimedia compuesto por escultura y rótulo luminoso, de Fátima Blasco, diseñadora gráfica y profesora de fotografía– y sus actividades se prolongarán hasta julio del año próximo.

Tanto el trabajo de Blasco como los de los otros cinco elegidos ya pueden verse en el escaparate del Espacio para el Arte de Obra Social Caja Madrid en Zaragoza. La inauguración tuvo lugar allí el 10 de septiembre, y permanecerá abierta al público hasta el 31 de octubre.

El objetivo de Corner es convertirse en un espacio abierto a todos los transeúntes, testigos y observadores de lo que pasa en la calle. Este año, según el comisario de la exposición, Mario Campos, la idea fue “elegir una escena puramente urbana, que en la calle quizá no llame la atención de nadie, y descontextualizarla, introduciéndola en un escaparate”. Al cambiar la ubicación y, por tanto, la naturaleza propia de esta escena urbana, adquiere grandes dosis de humor, al tiempo que se eleva a categoría de obra de arte, en una clara referencia al dadaísmo: ironía y descontextualización. La sorpresa para el “espectador” aumenta con la yuxtaposición del rótulo luminoso, un elemento puramente comercial.

Artista española "La Griega" exhibe un oscuro "Belén" fantástico en Berlín

2008-09-26T14:30:00.000-07:00

Berlín, 12 sep (EFE).- La artista española "La Griega" inaugura hoy en el Kulturpalast Wedding Internacional de Berlín su proyecto "La Gran Madre Negra", en el cual una serie de personajes-objeto fantásticos creados a partir de material reciclado interactúan en un escenario compuesto de cartones, piedras y tierra.

Desde la organización explicaron que los personajes de la composición nacieron del taller que la artista, cuyo nombre real es Carmen García Bartolomé, posee en Madrid durante unas sesiones de puertas abiertas en el que participaron más de 180 personas y que dio como resultado la muestra que se exhibe en Berlín.

Entre las figuras, de unos 20 centímetros de alto, destacan los personajes de "La madre de los insectos", "La embarazada del escarabajo" y "La cabeza patata".

Hasta el 21 de septiembre, en que se clausurará la exposición, la artista realizará además varios pases en vivo y performances utilizando los elementos de la composición.

"La Gran Madre Negra" ha contado con la colaboración de creadores como Choren, que compuso la música para el proyecto, y Ana Matey y Raúl Bartolomé que documentaron el proceso fotográfica y audiovisualmente.

Según la organización, el proyecto fue definido por el artista Bruno Galindo como un "oscuro belén" sin referencias religiosas con un "escenario de una pureza negra y asombrosa" y un "microcosmos de inquietantes figuras articuladas, movidas e iluminadas en vivo".

"La Griega", quien se formó en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid y la Universidad de Atenas, expondrá, así, según la organización, "en uno de los centros de arte más vanguardistas" de la capital alemana, en el barrio multicultural de Wedding. EFE

¿Arte Joven o Arte Nuevo? Romanticismo y progreso

2008-09-23T02:11:00.000-07:00

Ramón Almela. Doctor en Artes Visuales

Yolanda López. "Nuestra madre"

La renovación y progreso en el arte se asocia
a menudo con la ruptura y el encuentro de nuevos caminos.
Sin embargo, en una apropiada reflexión analítica puede hallarse
que la idea de progresar connota lógicamente la idea de
reanudación y de repetición. Pretender desconectarse
de las situaciones previas que enlazan a las consiguientes
es una falacia. La situación histórica en la que nos
encontramos destruye la idea de la continuidad y el
progreso entendido como avance lineal enfatizando la crisis,
coincidiendo con la desaparición de las vanguardias desde
los años Setenta y Ochenta y que en la critica cultural se
conoce como el Postmodernismo que sigue al Modernismo
en una sucesión cronológica.

Esa idea de progreso como avance es desarrollada con la
era industrial dentro de un paradigma y tradición kantiano
unida a la idea de la certeza y los universales donde la
forma era enfatizada sobre el contenido

Aiko Hachisuk. "Rolling Sketch"

Estamos en una edad de duda y escepticismo.
Se asume que se produce como un proceso al que
la modernidad estaba abocada por su propia dinámica.
Pero, no. Sólo ya contemplando la vivencia artística en la historia del siglo XX puede observarse que las etapas de duda han aparecido antes: En el tiempo de la I guerra mundial con los Dadaístas y Duchamp que no cuajó, y después de la II Guerra Mundial en una variedad de manifestaciones desde los Nuevos Realistas al Black Mountain, desde el Neodadá al Fluxus.

Mark Bradford. "Dreadlocks can´t tell me shit"

En Puebla nos aproximamos a la muestra III Bienal de Los Ángeles de la Universidad Iberoamericana. Es una ocasión para palpar tendencias y aproximaciones al arte contemporáneo en México. La actualidad artística bien puede aparecer enmascarada en un intento de aparecer más digerible dirigida hacia un concurso. Este es uno de los problemas que encara la Bienal. En esta convocatoria la interrelación electrónica se ha hecho al máximo y con ello la transparencia. Cualquier participante puede entrever a quien se enfrenta en la selección. Queda de responsabilidad del conjunto del jurado el apostar por actitudes y esquemas propositivos que se inserten apropiadamente en la dinámica actual del arte.

Claro, el éxito de la Bienal vendrá en consonancia también con la calidad de los participantes. Se encuentra ya en su tercera edición y esta vez se ha preparado un amplio itinerario expositivo y un catálogo. Hechos que debieran atraer a los artistas. Dificultades en el servidor de Internet ajenas a los encargados de la Bienal han hecho que se prorrogue la inscripción hasta el 31 de Agosto, 2001. Es de esperar que el resultado final de la selección muestre un nivel de riqueza e inquietud acorde con el panorama artístico actual.

Rodrigo Medina "De noche, el cíclope"

Mi encuentro con la última edición de Arte Joven expuesta en la Galería de la Universidad Iberoamericana fue bastante decepcionante. Empieza a sentirse el arte joven similar al arte ingenuo e inmaduro. Si es así podrían estas convocatorias reducirse al ámbito de la mera aportación del premio. Como he expuesto anteriormente en otro ensayo, sería preferible enfatizar los artistas emergentes con discursos prometedores y propositivos en vez de limitarse al esquema de la edad.

El encuentro con esa exposición de Arte Joven me ocurre cuando llego de visitar varias exposiciones determinantes del nuevo arte en Estados Unidos además del sondeo en el uso de las nuevas tecnologías en el arte con "BitStreams" montada por el Museo Whitney de New York. Hay que considerar que la inevitable globalización entremezcla los estilos y los conceptos en el arte a través del intercambio de culturas. No obstante, volviendo a la realidad mexicana, otra exposición que visité y que todavía se encuentra en California describe la realidad cultural mexicana a la que muchas propuestas se refieren y que el arte chicano enfatiza: "El camino hacia Aztlan, arte de una patria mítica" en "Los Angeles County Museum of Art". La identidad cultural es examinada a través de las conexiones compartidas en el área que conforma el sudeste de Estados Unidos y México mostradas con piezas arqueológicas, obras de arte coloniales y contemporáneas entre las que puede encontrarse las de autores como Yolanda López y Silvia Gruner. Un arte latino filtrado y estereotipado en los temas de política y espiritualidad que también se examina en New York en "The Bronx Museum of the Arts" con la exposición "Aztlan Hoy: La Posnación Chicana"

Kori Newkirk. "Nowwhere"

El arte contemporáneo americano ha estado tratando la raza y la etnicidad intensamente en las pasadas décadas. Del mismo modo, mucho del arte mexicano reivindica sus raíces como aparecen en esas exposiciones sobre Aztlan. El discurso descolonizador y el multiculturalismo se impuso en la década de los Ochenta y Noventa, pero esta tendencia sobresaliente en el arte contemporáneo se debilita y muestra rasgos de cambio a otra fase en el arte más actual.

Yunhee Min "I put a spell on you too"

"Post-black art" (Arte pos-negro) es el término manejado en la selección mostrada en la exposición "Freestyle" en "The Studio Museum in Harlem" en New York y que en Septiembre inaugura en Los Angeles. Abarca una nueva generación de artistas de raza negra que enfocan la identidad racial tanto con cuestiones como convicciones entre datos y experiencias personales. La atención sobre arte nuevo en New York está puesta en esta muestra.

Mientras los 28 artistas de esta exposición provienen de todos los estados y proporcionan un vistazo a la dinámica de la actual creación artística emergente, en Los Ángeles se lleva a cabo otra revisión, pero esta vez con 25 artistas asentados en ese condado, que aporta en un destello momentáneo una visión fresca, vital del arte que hoy se realiza en Los Ángeles. Los Angeles se ha convertido en una meca para los artistas más jóvenes. "Snapshot, New Art from Los Angeles" (Instantánea, Nuevo arte desde Los Angeles) en el Museo "UCLA Hammer Museum" resulta clarificador por el amplio espectro de medios abarcados con los que puede palparse el rango y la profundidad de la obra. En ambas exposiciones prevalece la pintura en una aproximación formal y conceptual siendo usada por muchos de los artistas para ahondar en la relación material entre cuerpos y cosas y la apreciación de las manifestaciones sensibles y en muchas ocasiones reconceptualizando la pintura sin la pintura alejándose de predominantes posturas homogéneas impuestas por la crítica cultural.

Erick Wesley. "Kicking ass"

Como afirmaba al principio, el progreso connota la idea de reanudar... (re)anudar, atar bien los nudos que permitan pro-seguir en la andadura. En estas exposiciones se percibe una cierta búsqueda conservadora, de talante romántico, de valores artísticos e individualismo en la representación impulsándose la presentación de situaciones vitales que transmiten experiencias universales, y como dice Holland Cotter "Una romántica noción de belleza, en toda su decadencia, se palpa en el aire".

Contrapunto extremo entre Seminarios, parte 2

2008-09-23T02:08:00.000-07:00



El sábado 23 de agosto a las 11 de la mañana, (la misma semana del Seminario antes comentado) la organización Artistas contemporaneos Asociado (ACA) organizó una junta tipo Seminario con Gustavo Buntinx, curador peruano a cargo del proyecto Micromuseo y que, además, forma parte del equipo curatorial de la esperada y misteriosa Trienal de Santiago 2009.

Artista española «La Griega» exhibe un oscuro «Belén» fantástico en Berlín

2008-09-23T01:51:00.000-07:00

La artista española "La Griega" inaugura hoy en el Kulturpalast Wedding Internacional de Berlín su proyecto "La Gran Madre Negra", en el cual una serie de personajes-objeto fantásticos creados a partir de material reciclado interactúan en un escenario compuesto de cartones, piedras y tierra.

Desde la organización explicaron que los personajes de la composición nacieron del taller que la artista, cuyo nombre real es Carmen García Bartolomé, posee en Madrid durante unas sesiones de puertas abiertas en el que participaron más de 180 personas y que dio como resultado la muestra que se exhibe en Berlín.

Entre las figuras, de unos 20 centímetros de alto, destacan los personajes de "La madre de los insectos", "La embarazada del escarabajo" y "La cabeza patata".

Hasta el 21 de septiembre, en que se clausurará la exposición, la artista realizará además varios pases en vivo y performances utilizando los elementos de la composición.

"La Gran Madre Negra" ha contado con la colaboración de creadores como Choren, que compuso la música para el proyecto, y Ana Matey y Raúl Bartolomé que documentaron el proceso fotográfica y audiovisualmente.

Según la organización, el proyecto fue definido por el artista Bruno Galindo como un "oscuro belén" sin referencias religiosas con un "escenario de una pureza negra y asombrosa" y un "microcosmos de inquietantes figuras articuladas, movidas e iluminadas en vivo".

"La Griega", quien se formó en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid y la Universidad de Atenas, expondrá, así, según la organización, "en uno de los centros de arte más vanguardistas" de la capital alemana, en el barrio multicultural de Wedding.

Arte español del siglo XIX ¡Se busca!

2008-09-22T22:53:00.000-07:00

Mientras en muchos países se ha producido un cambio cualitativo en la valoración del Arte ochocentista, la situación en España, con el Casón del Buen Retiro cerrado por obras millonarias desde el año 1997, es lamentable. Una generación ha sido privada de las obras de artistas tan significativos como Casas, Fortuny, Madrazo, Rosales o Sorolla.

Sobre el Arte español del siglo XIX parece pesar una verdadera maldición. No sólo ha gozado tradicionalmente de escasa consideración (las historias del Arte liquidaban esta época en pocas páginas), sino, lo que es todavía peor, de poco respeto por parte de las instituciones museísticas. Pero hay más: si alguien, ahora mismo, quisiera contemplar en Madrid algunas de sus grandes obras, lo tendría sencillamente imposible, ya que buena parte de la pintura española del siglo XIX duerme en las bodegas del Museo del Prado desde hace ocho años. Exactamente el tiempo que lleva en obras el Casón del Buen Retiro, una restauración que parecía de puro trámite y que ya se ha engullido, de momento, 36 millones de euros. Y menos mal que no se ha caído el edificio, cosa que estuvo a punto de suceder, según dicen los pocos que saben algo de esta obra pública que avanza (?) rodeada del más absoluto secretismo.

Nuestra pintura del XIX está gafada. Para empezar, suele decirse con cierta frecuencia no exenta de frivolidad que entre Goya y Picasso, el vacío. Es cierto que nuestro siglo XIX no fue una época de grandes creadores, pero tuvimos a Vicente López, Fortuny, Madrazo, Rosales y Sorolla, por citar sólo algunos. Ninguno de ellos fue, quizá, un Manet, pero al fin y al cabo tampoco nuestro XIX fue precisamente el mejor siglo de nuestra historia. Las colecciones del XIX, además, han sufrido durante muchos años unos vergonzosos desplazamientos a la espera de una ubicación definitiva. Y cuando, por fin, habían engrosado las colecciones del Museo del Prado y encontrado acomodo en el Casón se ven obligadas a padecer la crueldad de una rehabilitación interminable del edificio. A día de hoy, hay que convenir que el Arte español del siglo XIX no sólo es un Arte maldito: es, sencillamente, un Arte “invisible”.

¿Se podía haber hecho algo más? Sin duda. ¿Por qué, por ejemplo, aprovechando las obras del Casón, a nadie se la ha ocurrido que era un buen momento para realizar exposiciones temporales con estos fondos?

En el número de abril, “Descubrir el Arte” trata de reconstruir las aventuras y desventuras de este legado artístico español, condenado tradicionalmente a ser el “patito feo” de nuestro Arte.

Francesc Fontbona analiza cómo el siglo XIX, hasta hace poco considerado simplemente como el “siglo pasado”, empieza a ser apreciado como un siglo crucial, en el que el mundo cambió como pocas veces antes. Helena Pérez y Arturo Arnalte reconstruyen las obras millonarias de rehabilitación que se realizan en el Casón del Buen Retiro desde 1997 y entrevistan a Miguel Zugaza , director del Prado, que explica sus planes para las colecciones de pintura del siglo XIX que llevan ocho años ocultas. Y Carlos Reyero presenta las joyas emblemáticas de la pintura del XIX escondidas en los fondos del Museo.

2008-09-22T16:07:00.001-07:00

Los niños me muestran otro mundo

2008-09-22T15:31:00.000-07:00

Así expresa Geysi Rojas Díaz, creadora de Polvera mágica, libro que recoge interesantes textos de poesía infantil

Por: Texto y foto: Julio Martínez Molina

Correo: cult@jrebelde.cip.cu
19 de julio de 2008 00:55:37 GMT
CIENFUEGOS.— Geysi Rojas Díaz escribe desde que cursaba el cuarto grado. Los libros fueron amigos de infancia que permanecieron a su lado en el tiempo. Le resultaron especialmente provechosos para afrontar esos primeros años escolares de «una niña un poco deprimida, solitaria. Mi papá era una persona muy dominante, en ese marco estrecho siempre fabulé y soñé», dice.

Aun no había cumplido los diez años, y ya Geysi montaba pequeñas piezas teatrales, en la cuales reservaba siempre los principales personajes para sus hermanos.

Las tablas, la literatura y los niños: he ahí la triada de preferencias eternas de la creadora de Polvera mágica, el más reciente de sus textos de poesía infantil. Se trata de 13 composiciones, redactado, según su autora, con un lenguaje claro, directo, y el candor y la nobleza que entiende el receptor infantil.

Metodóloga provincial de Literatura y laureada actriz del grupo Teatro Nuevo, desde 2000 Geysi labora además en Zunzún, proyecto que incentiva la lectura desde las tablas. «Trabajo mucho las escritoras infantiles locales infantiles como Lourdes Díaz Canto y otras, literaria y teatralmente. Su literatura está marcada por leyendas, mitos y la onmnipresencia de la ciudad.

«Eso se los transmito a los niños participantes, quienes ensanchan su imaginario y contribuyen al amor de sus raíces, al tiempo que se adentran en el conocimiento de tales autores», comenta.

Aunque también escribe para adultos —de hecho prepara un libro para ese público—, prefiere la poesía infantil porque «el mundo de los niños está lleno de inquietudes, se encuentran en perenne asombro e investigación, son grandes críticos pero no grandes criticones, a diferencia de los adultos. En ellos late siempre una honestidad pura, desprovista de esas sutilezas irónicas de los mayores».

Geysi piensa que «el niño resulta muy transparente, cuando te dice una cosa es abiertamente. Me han enseñado mucho; he aprendido a ver el mundo desde otra óptica, con más naturalidad, con más espontaneidad, con mayor afectividad, gracias a ellos».

La autora agradece mucho a intelectuales cienfuegueras como la mencionada Lourdes y Ana Teresa Guillemí el espaldarazo en la ejecución de sus empresas literarias. «El apoyo de ambas es clave. Incluso, resulta imprescindible para mí, pues me considero una persona muy tímida, pese a ser actriz. Tengo miedos terribles a todo. A veces me siento insegura y pienso que no voy a lograr lo que me propongo», reconoce.

Dicen que el hombre y la mujer son grandes cuando confiesan su flaqueza. Y Geysi no tiene reparos en descubrir sus presuntas debilidades al lector. Así de franca es la entrega de esta joven escritora, quien espera —por arriba de todas las cosas—, que sus libros sean leídos y apreciados por la mayor cantidad de niños posible.

José Saborido: un joven artista cubano que responde a su realidad

2008-09-22T15:15:00.000-07:00

Su nueva expo personal, Macro, confirma que para él lo más importante no es el mercado sino la trascendencia de su obra

Por: Texto y foto: Julio Martínez Molina

Correo: digital@jrebelde.cip.cu

30 de agosto de 2008 00:39:57 GMT

CIENFUEGOS.— Se recuerda a sí mismo primero como el adolescente aguzado y luego como el joven que pasó distintos niveles de escuelas de arte y talleres de talla en madera y cerámica, afianzó sus intereses, consolidó sus gustos y definió sus presupuestos como artista que piensa mucho más en la trascendencia de su obra que en el monto en que pueda venderla.

Prueba de que José Saborido tal como lo piensa lo hace, es su nueva expo personal Macro —montada durante este verano en el Centro de Arte de Cienfuegos— que apela a cuadros de gran formato, algo que a estas alturas ya no suele hacerse porque, precisamente y entre otras razones, no se venden bien, dice.

Él traspasa al lienzo las preocupaciones y dilemas que ocupan a sus coterráneos: «Yo, como cubano, debo responder a mi realidad social; y no reflejar los problemas de Italia o del Polo. Mi Ecuador está aquí, y sobre su línea se expande mi rango expresivo».

«Cada vez se precisa más, por todo y todos, que se refrende ese matrimonio de intenciones entre el artista, la idea y la sociedad vista en su curva de evolución».

En la expo personal de este artista, perteneciente a la Asociación Hermanos Saíz —de cuya sección de Plástica es vicepresidente aquí— nadie verá una estampa seudofolclórica o una marina de cajón.

Eso está bien para salir de un apuro económico, dice, pero no para un montaje donde el creador expondrá lo que tiene para decir en tanto autor, en tanto padre intelectual de una idea, complementa Saborido.

Interrogado por la razón del título de la muestra, expresa: «Macro remite a algo grande, a ese pensamiento de ir en pos de lo mayúsculo que acompaña al ser humano, a veces para bien y en ocasiones para mal. Siempre quise hacer cosas como estas —por ejemplo, aquí hay una pieza titulada Costa a costa, de 2 x ½ metros—, y antes no pude debido a que dos elementos me frenaban, capacidad y economía».

En Macro retoma «algunas obras anteriores, trabajos que fueron bocetos o antecedentes de lo que en algún punto de mi carrera deseaba hacer, y los adapto a este formato que me proporciona nuevas posibilidades expresivas, sobre todo en la gestualidad».

Saborido habla abiertamente y sin ambages. Está feliz, lo dice; y se siente satisfecho de este trabajo del que espera sea punto de inflexión para una carrera, temprana aún, pero muy proclive —dada la pasión y empeño del creador— a brindarnos futuras sorpresas.